tEl estreno de El Rey León es un verdadero momento cinco estrellas que recuerda por qué este musical todavía domina la sabana teatral. Evita el sentimentalismo de la película de 1994 y el glamour de sus homólogos de Broadway de la época, optando en cambio por placeres más primarios y poderosos. Desde el primer encantamiento (traducido como “Todos saluden al rey” – o “Mira, un león, oh Dios mío”, dependiendo de a quién le preguntes) se construye con un canto, una reunión de cuerpos humanos y finalmente una procesión de animales que sale del escenario para ingresar al público y envolverte en una especie de ritual coreografiado. (Este es un buen momento para hablar con tu cita. Si no tiene sentimientos, puede ser una especie de demonio triste).
Esta secuencia resume lo mejor del espectáculo: las impresionantes marionetas, el vestuario y el sentido de la ceremonia de la directora Julie Taymor, la música coral de Lebo M y la coreografía de Garth Fagan. Todavía resulta sorprendente y electrizante; Algo tan puro y sincero que casi puedes olvidar las botellas de agua con gas de marca que se venden en el vestíbulo, los matices fascistas y realistas de la historia y la sucesión de momentos de tres y cuatro estrellas que siguen.
No es que este programa necesite calificaciones de estrellas. “El Rey León” es un gigante comercial y cultural, que se exhibe continuamente en cines de todo el mundo durante casi 30 años y recaudó más de 8 mil millones de dólares, la producción más taquillera de todos los tiempos en pantalla o teatro. Las críticas mixtas de los críticos no han amortiguado su rugido.
Pero era un riesgo en su época: el musical de segunda etapa de Disney, dirigido por la cineasta de vanguardia Julie Taymor, quien insistió en algo mucho más atrevido que una adaptación directa de la pantalla al escenario de La Bella y la Bestia. Taymor nutzte ihre Erfahrung mit Masken- und Puppentraditionen wie Bunraku, um eine Hommage an alte Erzählweisen zu schaffen. Y en un panorama teatral contemporáneo que se vuelve cada vez más digital, su trabajo con títeres, sombras y luces parece aún más radical.
Y luego está el enorme elenco multirracial, encabezado por artistas de África y la diáspora, que -incluso ahora, y quizás especialmente en Australia- parece asombroso. La música con tintes sudafricanos de Lebo M (ampliada de la película) incluye congoleños, sotho, swahili, tswana, xhosa y zulú, y una parte significativa de la mayor parte del elenco proviene del continente africano, incluidos, en esta nueva versión australiana, los protagonistas sudafricanos Buyi Zama (que regresa aquí por tercera vez para asumir el papel del chamán mandril Rafiki) y Aphiwe Nyezi (Simba adulto). 12 roles de conjunto.
Invitar a África al escenario es uno de los mejores cambios que Taymor hizo en el texto original, que -aparte de Lebo M- era un dulce blanco concebido originalmente como “Bambi en África” y luego descrito por el productor Don Hahn como “una combinación de Moisés, Hamlet, el Rey Arturo y Elton John”. Taymor también corrigió el desequilibrio de género de la película al convertir a Rafiki en un personaje femenino sangoma (curandero), ampliando los roles de Nala (que tiene su propia canción “Shadowland”) y la madre de Simba, Sarabi, y dando a las leonas más tiempo en el escenario, con canciones y secuencias de baile exuberantes.
Otros suplementos tienen menos éxito. Varias escenas y canciones ralentizan el impulso y parecen diseñadas para disfrazar los cambios de escena mientras mantienen a los niños entretenidos (las hienas, controvertidas en los dibujos animados y no mucho mejoradas en el escenario, no son lo más destacado, y no estoy convencido de que nadie necesite su canción “Chow Down”). “Endless Night”, cantada por el Simba adulto, es musicalmente tibia y narrativamente confusa, ya que canta sobre sentirse abandonado por su padre muerto, incluso después de que Mufasa le dijera claramente que lo estaría mirando desde las estrellas. Como muchos musicales de Disney, “El Rey León” parece demasiado largo: dos horas y media en comparación con los 90 minutos que dura la película.
Overall, the show feels like a mix of styles and tones. Una secuencia de baile de “Hot Hyenas” teñida de ballet de jazz parece surgir de la nada; y frases ingeniosas sobre Specsavers, Temu y “bin Chicken Bánh-mi” chocan incómodamente con los intentos de evocar una atmósfera mítica.
Entre el resto del espectáculo de la noche inaugural, Emily Nkomo (Nala adulta) y Zumi Baya (Rafiki) fueron intérpretes vocales destacados, Nick Afoa (quien se graduó de Mufasa después de interpretar a Simba en la producción de 2013) aporta una agradable seriedad a su actuación, Daniel Frederiksen es un Scar agradablemente camp (las armas son las que más se divierten) y Aphiwe Nyezi es alegremente acrobático.
Aun así, este es un musical que es mayor que la suma de sus partes; Su mejor momento es cuando el conjunto coreografiado, la partitura y la estética de Taymor se unen para envolvernos en algo alegre y épico.
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