TEATRO
Nunca más cerca ★★★★
cuarenta y cinco abajo, hasta el 24 de mayo
Grace Chapples Nunca más cerca es una historia de amor, también una historia de fantasmas, ambientada en Irlanda del Norte durante los disturbios, y es una obra tan segura y madura que cuesta creer que sea su primera obra.
Esta nueva producción, que se estrenó en Belvoir en 2024, es una excelente elección para el Patalog Theatre, un conjunto que anteriormente comparé con Hayloft Project en términos de talento e importancia, no solo porque se apoya más en obras de dramaturgos británicos contemporáneos (Caryl Churchill, Jez Butterworth, Polly Stenham, Simon Stephens), sino también porque son fuertes en el estilo de interpretación de conjunto íntimo y detallado. Nunca más cerca Requisitos y recompensas.
Un grupo de amigos que acaban de graduarse del instituto se reúnen para despedirse de una de sus amigas, Niamh (Ella Ferris), que deja Belfast para ir a Londres a estudiar medicina. Su mejor amiga Dierdre (Enya Daly) cuenta una espeluznante leyenda local, pero el ambiente predominante es optimista.
Junto con Connor (Damon Baudin), Jimmy (Ben Walter) y Mary (Molly Holohan), están emocionados de estar en la cúspide de la edad adulta y confían en que su vínculo sobrevivirá a su separación.
Pasan los años y en la Nochebuena de 1987 los amigos se reúnen en la casa de Dierdre. Mientras tanto, muchas cosas han cambiado, entre ellas Niamh se enamora de Harry, un inglés (Karl Richmond) que se deleita con el trauma experimentado por los amigos de Niamh mientras vivían un período de terror.
Cuando asaltan el alijo de whisky de Dierdre, estallan tensiones y sentimientos reprimidos, lo que dificulta la verdadera reconexión entre los (aún jóvenes) miembros de su círculo. No quiero revelar el final, salvo decir que implica un regreso a la historia de fantasmas con la que comienza la obra.
La impresionante escenografía de Dann Barber y Ella Butler le da al espectáculo un toque voyeurista. El público mira la sala de estar de Diedre desde tres lados, y las cortinas se abren después de la primera escena para sumergirnos más profundamente en el drama.
La directora Marni Mount no desperdicia la intensidad de su concentración, ayudando a crear una de las mejores actuaciones grupales que he visto en mucho tiempo. Me encantó la calidad vivida de estos personajes, no solo los detalles convincentes de cada actuación, sino también la calidad de la atención y la capacidad de respuesta entre los actores.
Es increíblemente difícil técnicamente interpretar a personas charlando, discutiendo y hablando entre sí de una manera que suene escuchada pero aún así comprensible; o para representar toda la comunicación sin palabras que se produce entre personas íntimas.
El elenco crea la sensación de una familia encontrada, y la comedia y el melodrama de su compañía, equilibrados por su vulnerabilidad y el sufrimiento que soportan, realzan el impacto del clímax de la obra.
Con una interpretación tan excelente del conjunto, uno casi espera que el Teatro Patalog llegue a Chéjov a continuación. Sin embargo, si Chapple continúa reconociendo su talento y ambición como dramaturga, su próximo trabajo sería una perspectiva igualmente bienvenida.
Revisado por Cameron Woodhead
ÓPERA
La Traviata ★★★★
Regent Theatre, hasta el 16 de mayo
La Traviata es la ópera más representada en el mundo. Es atemporal. Y no en el tipo de retórica de marketing humilde que lanzan las empresas que se apegan a un enfoque contemporáneo, sino verdaderamente atemporal. Los no aficionados a la ópera conocen a la cortesana parisina y a su ingenuo novio gracias a la obra de Baz Luhrmann ¡Moulin Rojo!
El desarrollo del personaje es tan grande que el papel de Violetta Valéry requiere tres voces diferentes. Si tuvieras que elegir entre la historia, tal vez serían los fuegos artificiales vocales de Joan Sutherland en el primer acto, el lirismo y la riqueza de Renée Fleming en el segundo acto y los nueve metros completos de emoción vocal (tomemos a Maria Callas) en el tercer acto. Invariablemente, la mayoría de las divas se adaptan mejor a una trama que a la otra.
Stacey Alleaume de Melbourne es una Violetta en el tercer acto. Aquí, en la última producción de Opera Australia, los momentos finales de Alleaume son sublimes y desgarradores: su control vocal es impresionante. Su juvenil y enérgica Violetta del Acto I también ofrece una interpretación vocal impresionante. Alleaume intercambia roles con María Laura Iacobellis.
Como Alfredo, el tenor neozelandés Filipe Manu retrata hábilmente el ingenio de Alfredo junto con un sonido italiano firme y potente.
El papel del padre de Alfredo, Giorgio Germont, lo canta el barítono ucraniano Andrii Kymach, que tiene una voz impresionante pero apenas es cinco años mayor que Manu. La altura y las canas no colorean la seriedad. OA definitivamente debería traer de vuelta a Kymach, pero no para este papel, al menos no todavía.
El director Giampaolo Bisanti hace su debut en la compañía y la Orquesta Victoria ofrece una actuación apasionante bajo su dirección. Un efecto secundario desafortunado de la posición extremadamente elevada del director del Regente fue que los variados gestos con las manos de Bisanti eran tan prominentes que casi se convirtió en el mejor actor secundario del programa.
Parece que la producción de la obra maestra de Verdi por parte de OA Elijah Moshinsky finalmente se ha detenido. Esta producción, que se estrenó en Brisbane en 2022, de la directora Sarah Giles, con decorados y vestuario modernos de Charles Davis, es un reemplazo bienvenido e innegablemente exitoso.
Revisado por Bridget Davies
JAZZ
Panorama Brasil: La música de Hermeto Pascoal ★★★★
El JazzLab, 9 de mayo
Cuando el compositor brasileño Hermeto Pascoal actuó en Melbourne en 2012, su inquieta creatividad e ingenio estuvieron constantemente en exhibición mientras pasaba del teclado al cuerno de vaca, de la melódica a las melodías silbadas en una botella de agua.
La instrumentación para el tributo del sábado por la noche a Pascoal fue más convencional, salvo por una breve aparición de un cerdo de juguete que chillaba, pero la exuberancia del espíritu de Pascoal recorrió cada melodía.
El baterista y percusionista de Melbourne, Alastair Kerr, ha sido durante mucho tiempo un apasionado exponente del jazz brasileño, y su magnífico Cuarteto Panorama Brasil formó el núcleo de este concierto en honor a Pascoal, quien falleció el año pasado. Kerr también actuó como el alegre maestro de ceremonias de la velada, destacando la influencia y originalidad del difunto compositor, los diversos ritmos y estilos que contenía su música (forro choro, frevo) y sus estructuras, a menudo complejas e impredecibles.
No es que hubiera nada académico o misterioso en la presentación de la banda. Por el contrario, fue música que saltó del escenario con energía y vitalidad irresistibles, mientras Kerr y sus colegas (el pianista Matt Boden, el bajista Jorge Albuquerque y la brillante flautista Yael Zamir) dominaban cada cambio de tempo, cambio de tono y salto rítmico con aparente facilidad.
Los diversos invitados que se unieron a la banda a lo largo de la noche fueron igualmente expertos en hacer que los arreglos elaborados sonaran tan alegres como la brisa del verano de Río. A Forro BrasilAdam May tocó una melodía maravillosamente hábil en el cavaco de cuatro cuerdas, llevada por la ágil batería de Kerr y el acompañamiento de guitarras gemelas de Paul Carey y Rose M. González. Doug de Vries (en la guitarra de siete cuerdas) interpretó un fascinante dúo con el pianista Barney McAll, y los dos tocaron un tema intrincado con una sincronicidad emocionante.
La melodía más famosa de Pascoal, bebéSirvió como un final adecuadamente optimista mientras la flauta de Zamir bailaba como un colibrí y los polirritmos de Kerr lideraban toda una sección de percusión y toda la banda se llenaba de la exuberancia y la exuberancia por las que Pascoal era conocido.
Revisado por Jessica Nicolás
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Jessica Nicholas es una escritora de arte y música especializada en jazz contemporáneo y músicas del mundo.De nuestros socios
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